sábado, 29 de diciembre de 2007

LA LISTA NEGRA (BLACK BOOK) (ZWARTBOEK)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

1) Está dirigida por Paul Verhoeven y estoy prejuiciado positivamente porque me gustó el libro sobre sus películas que publicó "Taschen". Además me gustaron "RoboCop", "Bajos Instintos" ("Basic Instinct"), "El Vengador Del Futuro" ("Total Recall"), "Showgirls", "Invasión" ("Starship Troopers") y "El Hombre Sin Sombra" ("Hollow Man").

2) Me gusta la sonrisa de la protagonista y su actitud cuando está alegre.

3) Me gusta que se hablan muchos idiomas en la película.

4) Me gustan las partes musicales. Me gusta que están filmadas con mucha luz. Aún, pese a la vulgaridad de la primera canción junto al piano, la escena contiene suficiente inocencia como para que la admire.

5) Me gusta mucho que todos los personajes lucen como animales, quizá vestidos, pero animales al fin y al cabo. Mi percepción la atribuyo a la terrenalidad de la fotografía. El maquillaje, los peinados, el uso del color, la iluminación y las facciones de los actores, me sugiere la inmediatez de percepción que surge al observar un perro, un gato o una cucaracha. Esto por cuanto se privilegia el volumen general del objeto por encima de su textura (o de su llamado a la emotividad), lo que remite a su materialidad como característica principal. La masacre al cuerpo de Murphy en "RoboCop", los insectos de "Invasión", el interior del cuerpo del científico en "El Hombre Sin Sombra", la interrogada sin ropa interior en "Bajos Instintos", la abundancia de cuerpos jóvenes semidesnudos en "Showgirls", el líder psíquico semi-nacido (Kuato) en "El Vengador Del Futuro", la cabeza de la mujer que da a luz en "Flesh + Blood" ("Los Señores del Acero"), nos remiten a la unidad material de los seres orgánicos, a su "carnalidad" (para los seres de carne) y a su sustancialidad (para los seres constituidos por elementos distintos a la carne).

Que los personajes pueden ser destripados, molidos, desmembrados, machacados, despedazados, mutilados, horadados, cercenados y exterminados, es un mensaje importante en las películas de Paul Verhoeven. El director holandés establece bajo este supuesto las relaciones de los personajes de sus película y a partir de él genera la variedad de emociones que retrata en la historia que desarrolla. Por esto, lo ideológico como justificación intelectual de los actos, queda supeditado a la experiencia orgánica misma, ya sea de una sensación ligera, gozosa, o de intensidad extrema hacia el lado de la angustia.

La película de Paul Verhoeven es una experiencia visceral que revela la futilidad y voluntarismo de los múltiples sistemas educativos extendidos por el orbe a lo largo y ancho del tiempo. El hombre es un animal brutal y punto. También puede ser simpático a veces (curiosamente, la familia que retrata está ausente de malos momentos). La Segunda Guerra Mundial sólo fue un estado necesario del desarrollo de la civilización mundial, en que grupos distintos tenían objetivos similares y métodos similares para la obtención de sus metas. Como chicos buenos, se despedazaron porque era lo correcto.

6) Me gusta que a partir de cierto momento, la película se torna onírica para mí, sólo una fantasía de una prisionera sin escape posible, como en "El Vengador Del Futuro" en que lo irreal es parte integral de la narración. Aún el cambio de rol de "personaje bueno" a "personaje malo" y viceversa, me recuerda aquella película.

7) Me gusta que en la película hay lugar para el absurdo, para la sentencia de muerte decretada contra toda lógica, contra toda posibilidad, como si la predestinación o el deseo de morir (la voluntad personal al fin y al cabo) pudiese alterar las características supuestamente intrínsecas de la realidad y retorcerlas en favor propio, aunque fuese para ocasionar la propia aniquilación. Esta es una visión de gran optimismo, aún para los personajes sobrevivientes, que logran así, experimentar su objetivo de, precisamente, "sobrevivir a alguien emotivamente cercano", en lugar de compartir con esa persona el resto de la existencia terrenal. En la película, es la excusa perfecta para retratar un momento de gran angustia existencial.

8 y sucesivos) (En elaboración)

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MEJORES ESTRENOS 2007 (BEST MOVIES 2007 IN PERU)

Estas películas son maravillosas:

1) La Gran Sangre La Película
2) Muero Por Muriel
3) La Lista Negra (Zwartboek) (Black Book)
4) Los Locos Del Supermercado (Employee Of The Month)
5) Un Destino Compartido (Man About Town)
6) Duro De Matar 4.0 (Live Free or Die Hard)
7) Guardianes Del Día (Day Watch) (Dnevoi Dozor)
8) Rocky Balboa
9) La Brújula Dorada (The Golden Compass)
10) Leones Por Corderos (Lions For Lambs)
11) Todas Las Demás Películas Estrenadas En el Perú En El Año 2007.

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lunes, 24 de diciembre de 2007

LA GRAN SANGRE LA PELÍCULA

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

Me gustó muchísimo “La Gran Sangre: La Película” [dirigida por Jorge Carmona, con guión de Aldo Miyashiro] . Es una película sofisticada, sumamente inteligente. Con seguridad absoluta, el filme nacional más importante producido por nuestra cinematografía en los últimos cinco años.

Las razones para ocupar tan extraordinario lugar:

1.- La importancia mundial de su tema: El combate al narcotráfico. Si hemos de creer a autores de todo color político, la importancia geoestratégica del control del flujo de las drogas ilegales es indiscutible. La sola elección de esta temática sitúa a “La Gran Sangre: La Película”, al nivel de filmes como “Miami Vice: La Película” (dirigida por Michael Mann), “La Conexión Francesa: Contra el imperio de la droga” (dirigida por William Friedkin) [ganadora del Oscar 1971 en las categorías mejor película, director, actor, guión adaptado, montaje y con postulación a mejor actor de reparto], “Arma Mortal” (dirigida por Richard Donner), “El Año del Dragón” [dirigida por Michael Cimino, guión de Oliver Stone] o “Caracortada” [versión dirigida por Brian De Palma, guión de Oliver Stone].

2.- Su actitud post-moderna: Como propuesta cinematográfica recicla el género de acción de la cultura de masas foránea contemporánea y la presenta evidentemente como reciclaje, es decir, plantea una autoconciencia del medio que abiertamente asume la representación como juego, como alejamiento de la vivencia directa y recreación de lo que fue o pudo haber sido. Y sitúa su discurso al nivel del consumidor poco especializado, del espectador que se maravilla de las imágenes cinematográficas por la inmediatez de su percepción, más allá de una valoración sostenida en una formación artística, supuestamente, básica.

Es decir, subvierte el esteticismo propio de las producciones estadounidenses con presupuestos de decenas de millones de dólares, en situación de dominio absoluto del mercado local, con la mayor tranquilidad y orgullo, con la conciencia tranquila. Y aún hace hincapié, con su lenguaje cinematográfico aparentemente errático y decididamente farsesco, de la conciencia de su propuesta postmoderna.

Tanto es así, que podemos observar a los semi-héroes de La Gran Sangre descender de un camión cargado con cajones conteniendo frutas, o disfrutar de la emoción una persecución automovilística mientras se realiza el consumo de alimentos en una carretilla en la vía pública. Esta actitud neo-realista, que se debate entre el documental, el estudio antropológico y las exigencias de una producción dirigida a generar ganancias, sólo la podemos encontrar en otro extraordinario cineasta peruano adelantado a su tiempo: Luis Llosa Urquidi.

Jorge Carmona, como Luis Llosa, también está destinado a conquistar Hollywood, y con la misma actitud postmoderna, a no ceder a los encantos de la industria estadounidense del cine. Recordemos “Misión En Los Andes” con su escena de velatorio de corte antropológico... ¿hay alguna diferencia con los toques sociológicos de La Gran Sangre: La Película? Evidentemente que coinciden ambas situaciones.

Ya tocará que los maestros del cine estadounidense imiten a las películas de Jorge Carmona, tal como hiciera el ganador del Oscar Martin Scorsese (2007) cuando plagió, como apasionado amante del buen cine, parte del reparto de “El Especialista” (1994) en su filme “Casino” (1995) para recrear momentos del filme dirigido por nuestro compatriota Luis Llosa.

¿Recuedan los lectores relación entre los personajes de “El Especialista” May Munro / Adrian Hastings [excelente Sharon Stone] y Ned Trent [sobresaliente James Woods]? Pues Martin Scorsese la reproduce a su manera, incluyendo a un tercero celoso (en este caso Robert De Niro [Sam ‘Ace’ Rothstein] en lugar de Silvester Stallone [Ray Quick]), en “Casino”, con Sharon Stone y James Woods como Ginger McKenna y Lester Diamond respectivamente.

[Note el atento lector cómo las consonantes sucesivas a la R(ay) y Q(uick) son S(am) y R(othstein)].

Además, Scorsese nos brinda dos indicios más. Ray Quick utiliza unos anteojos grandes al colocar un explosivo cuando está sentado en su mesa de trabajo. Al final de "Casino", Sam Rothstein tiene unos lentes muy grandes y lo vemos sentado frente a su mesa de trabajo, mientras hace cálculos. Martin Scorsese justifica los lentes de Rothstein indicando que son un broma personal relacionada con un ejecutivo del estudio que financia la película. Tenemos que desconfiar de un amante de lo visual como el director estadounidense.

Un último dato. “El Especialista” es reconocida por sus espectaculares explosiones, que incluyen a un conductor que sale despedido por el aire cuando una bomba explosiona bajo su asiento. ¿Cómo se inicia “Casino”? Comienza cuando Sam Rothstein sube a su auto, y al encenderlo ocurre una explosión. ¿Sale despedido por el aire? Sólo lo sabemos durante el transcurso de la película, pero los créditos iniciales lo muestran en silueta surcando el aire por la fuerza de la detonación. Evidentemente Scorsese estaba encandilado con “El Especialista”.

Aún Steven Spielberg tuvo que colgarse del talento de nuestro compatriota cuando recreó, en “La Guerra de los Mundos” bajo la forma de un tentáculo extraterrestre con un ojo, las fabulosas anacondas del filme “Anaconda”. Naturalmente, se puede argumentar que lo tomó de “El Secreto del Abismo” (dirigida por James Cameron), en que aparece un tentáculo de agua, pero por su espíritu, lo emparentamos con “Anaconda”. Como este texto es solamente un referente para que comprendamos la calidad de los cineastas nacionales y de las alturas que deparan a Jorge Carmona, tenemos que detenernos aquí.

Queda claro pues, que “La Gran Sangre: La Película” mantiene una actitud post-moderna con antecedentes claros entre los cineastas peruanos y cuyo caso paradigmático es Luis Llosa.

3.- La Forma del Filme: La genialidad de los autores de esta obra y de la calidad de su director, Jorge Carmona, quedan explícitos en la forma del filme.

3.A. Una de las escenas más aterradoras filmadas en el cine nacional en el último lustro, es la lucha cuerpo a cuerpo desarrollada por los personajes “Althea” (colosal Melania Urbina) y “Géminis” (terrorífica Carolina Pampillo).

Primero, porque se hace uso de un montaje muy original ausente antes y después. Se comprende la sabiduría de esta decisión por cuanto el impacto de la escena es mayor ante un ritmo pausado y porque una película que contuviera tanta tensión como aquella trifulca, sería insoportable para el espectador promedio y el producto final caería en el segmento del cine “gore”.

Segundo, aunque la riña está corografeada, la inmediatez y crudeza del desarrollo de la acción tiñe de repulsión la pantalla. Es uno de los momentos de la película, en que se percibe los abismos de odio en los que puede perderse el alma humana. Si Jorge Carmona decide dedicarse al cine de horror, revolucionará el producción mundial. Mientras “Mandril” (convincente Pietro Sibille) y “Santos” (sobrio Sergio Galliani) combaten como si estuvieran en un torneo deportivo, la lucha entre “Althea” y “Géminis” transmite lo desagradable y perturbador que son los sentimientos de mala entraña. Esto en parte, por el aura de pelea callejera que rodea la interacción.

Tercero, las actuaciones son de las más destacadas de la película. Mientras la expresividad de los personajes varones es de corte infantil, ligero, irresponsable y amiguero durante todo el metraje, aún en los momentos que podrían considerarse más dramáticos, en esta escena se percibe un odio y disgusto bastante real y sostenido entre “Althea” y “Géminis”. Como la temática central son unos celos manifestados en interacción física brutal, cada movimiento está cargado de intención y, por tanto, de significado. Mientras todo lo demás en la película está tratado como cliché, farsescamente, consecuencia del contacto de los actores con el mundo del desarrollo marcial de modo indirecto, lejano, a través de los medios comunicación, los celos pueden ser una vivencia femenina cotidiana, experimentada, sentida, recordada y reproducida. Es esta realidad del universo femenino la que se exhibe en la pantalla.

Adicionalmente, es reconocible el entrenamiento físico al que las actrices se han sometido, con una cierta combinación de dieta estricta que es inexistente en los personajes varones. Esta ausencia de partes fofas transmite una naturaleza reptiloide (por la apariencia) y torturada (tal vez por el hambre) y dinámica (gracias al ejercicio) única en toda la narración. Tal vez lo único que se les asemeje en intensidad dramática sea la presencia de las dos oficiales de la policía “Agente Cuarenta Y Ocho” y “Agente Veintitrés”, que aparecen intermitentemente. Con su delgadez, su rigidez expresiva y su vestimenta negra (cuando aparecen disparando, como siamesas danzando), recuerdan al escalofriante engendro de la película “Alien. El Octavo Pasajero” (dirigida por Ridley Scott).

3.B. Otra característica formal del filme destacada es el uso de unos muy bien elaborados dibujos animados. El momento de su inserción nos permite participar del carácter plástico de la acción de corte fantástico en la que los personajes realizan acciones cotidianamente entendidas como sobrehumanas o simplemente extraordinarias. Esta opción narrativa (aplicada por ejemplo por Oliver Stone en su “Asesinos Por Naturaleza”) (con historia original de Quentin Tarantino), nos revela más allá del entretenimiento, la características de la fuga psicológica producida por los momentos de tensión insoportables o el miedo irrefrenable al daño físico que ocurren ante la amenaza inminente. Este comentario, presente en el filme [de modo consciente o intuitivo], evidencia la comprensión del entretenimiento moderno como fuga psicológica [y también el entretenimiento del pasado]. Se resalta la imposibilidad de la historia, su improbabilidad y la necesidad de renovar la esperanza ante situaciones al parecer irresolubles. Propone aspirar a una solución superior, más allá del mundo inmediato. Plantea invocar los poderes de nuestra mente, de nuestro inconsciente, para revelar nuestro potencial creador oculto.

Esta sola solución formal eleva a “La Gran Sangre: La Película” al nivel de tratado filosófico práctico contemporáneo. Si se nos escapa el mensaje y creemos que es una carencia de producción, de financiamiento, de recursos técnicos, si abogamos por “El Hombre Araña” (1, 2 y 3) [dirigidas por Sam Raimi], probablemente tenemos algún interés particular. “El Hombre Araña” es deudora de “La Gran Sangre: La Película”. Un profesional de la crítica, un burócrata del pensamiento (actividad muy loable por cierto), podría pretender descalificar esta opción filosófica narrativa que muestra de modo concreto, lo que el crítico tendría que explicar en varios artículos. Luego de ver “La Gran Sangre: La Película”, es posible comprender cómo Peter Parker se convierte en “El Hombre Araña”, después de recibir alguna humillación particularmente dolorosa o cuando existe un peligro inminente pretendidamente insuperable. Es decir, “El Hombre Araña” es la personalidad manifestada durante la fuga psicológica de Peter Parker. El error formal narrativo del cine estadounidense en general (en su fase más industrial), es tratar los dos momentos, el de ensueño y el de realidad, exactamente de la misma manera. Sam Raimi desfallece antes de entender que todo lo que realiza la otra personalidad de Peter Parker sucede en la mente del joven sobrepasado por las circunstancias contemporáneas. Jorge Carmona lo comprende perfectamente. Y lo añade a su obra. Y nos lo trasmite. Y como público privilegiado, se lo agradecemos y vamos a ver la película más de una vez. Nosotros, en el Perú, aprendemos a diferenciar las cualidades particulares de lo real y de lo fantástico de modo consciente a través de esta obra de arte.

3.C. Entre otras características formales habría que resaltar la capacidad de síntesis visual magistralmente utilizada, que recurre al escenario inmediatamente significativo tal como el puerto, la selva, los techos, el interior del avión, que por su reconocimiento directo como elementos del género de acción connotan instantáneamente la aventura vivida por los personajes y nos facilitan el disfrute a los espectadores.

Una análisis más detenido sobre todas las bondades de “La Gran Sangre: La Película” exigiría un libro, por breve que fuera, antes que una reseña como la presente. Y también, que se ponga en venta el DVD del filme (con bastante información adicional por favor) [esencial en el DVD es el comentario del director, recuérdenlo).

Como conclusión, indico que una exégesis apropiada de este maravilloso producto audiovisual y fenómeno social que es “La Gran Sangre: La Película” es, naturalmente, una necesidad y habremos de disfrutarla cuando esté al alcance del público.

Jorge Luis Villacorta Santamato
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viernes, 21 de diciembre de 2007

SUPERCOOL (SUPERBAD)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

1) Es una película que me confunde, lo cual me da oportunidad para examinar cuáles son mis propios supuestos respecto del mundo.

2) Me agrada que a un personaje importante le guste dibujar.

3) Logra sorprenderme la libertad en la representación de los hombres que defienden la ley. Que dos policías sean retratados de modo que me resulta inverosímil me hace pensar que a mí me gustan bastante las películas con defensores del orden endurecidos. Que a otra persona le resulte tan intrascendente el sistema policial me hace reconocer mi propia identificación con esta institución que vela por el orden público.

4) Logra extrañarme que los personajes sean incapaces de comunicarse directamente. Que los estudiantes de último grado de secundaria sean representados como carentes de habilidades comunicativas, me pone en evidencia que yo asumo que los seres humanos son seres conscientes. Que yo reconozca que otras personas pueden pensar que la gente es inconsciente, lo considero un aporte que observar la película produce en mi propia conciencia al ampliar sus límites.

5) La película muestra leyes claras (en un país que me es desconocido) para el consumo de alcohol. Que se norme la compra de alcohol me parece un triunfo de la imaginación sobre el azar.

6) La exposición que se hace de una institución religiosa en cuanto a sus creencias en seres malvados sobrenaturales puestas de manifiesto como consecuencia de la reacción de uno de sus líderes ante el objeto de preferencia dibujado por uno de los personajes principales, me hace reflexionar sobre las diversas comprensiones del mundo. El tema de dibujo, el falo, ha sido elemento primordial en diversas religiones. Que una religión encuentre influencia satánica en su elección como temática de ilustraciones me alegra, puesto que me hace reconocer la variedad de contextos culturales en que nos desenvolvemos. Así, la película resalta la necesidad de la integración cultural como patrón de medida de la salud mental. Que una película contemporánea realice una meditación tan detenida respecto de un fenómeno social tan delicado, es decididamente, un aporte de esta película. Esto naturalmente, de ninguna manera elimina el hecho de que ese personaje estuviese realmente poseído por el Príncipe de las Tinieblas, dentro del entendimiento de esa religión.

7) Me parece interesante que se muestren diversos rituales de apareamiento inconclusos y de estilos baile en la sociedad que describe la película. Hay una vocación antropológica que me parece loable. El filme intenta mostrar el material que podría ser producto de un trabajo de campo, en bruto, sin análisis. Hay valor en esta transmisión de material recopilado. Me parece que es esa inmediatez del documento sin elaborar, lo que causa una buena dosis de confusión. Agradezco esta confusión, porque me permite generar hipótesis explicativas de los marcos de referencia de los narradores.

8) Me gustó bastante el diseño de créditos de introducción de la película. Los colores planos y las siluetas que muestran expresan cierto minimalismo pop que el movimiento de la imagen transforma en novedoso.

9) Me agrada que la película tenga un tiempo limitado. El patrón cultural que establece que una narración tiene un comienzo y un fin es, naturalmente, convencional y corresponde a momentos históricos y geográficos delimitados. Que supuestamente comience donde comienza (últimos días de la Secundaria) y termine donde termina (formación de vínculos amicales con el sexo opuesto), me induce a analizar la pretensión por la cual el cambio de centros de formación ideológica, sean colegios o universidades, es significativo socialmente según los parámetros de los personajes de la película. Según los referentes de ellos, la importancia de tal supuesto “cambio” (que pasa por alto la evidente continuidad del adoctrinamiento ideológico de su sociedad) estribaría en la ruptura de los lazos directos entre ellos como productores de vivencias sociales, para pasar a asumir roles como productores de experiencias colectivas de modo “individual” correspondientes a nuevos valores. En otros términos, los protagonistas desconocen la programación cultural abstracta y material a la que están sometidos y pretenden que la vinculación personal posee en sí cualidades superiores a las de la función social que desempeñan. Su “amistad” es un complemento de necesidades sociales, pero asumen que es valiosa de por sí, en lugar de ser consecuencia de las posibilidades culturales latentes en ellos. Identifican su relación, como un vínculo desvinculado de los otros intercambios comunitarios. Es la inconsciencia de su ser social definido, lo que a nivel mental les hace percibir como “especial” o “mágica” la dependencias e intercambios que realizan a nivel cotidiano. En lugar de superar su dependencia mutua mediante el aprendizaje de nuevas habilidades sociales o roles a representar en el cosmos comunitario, asumen sus limitaciones como naturales y “valiosas tal como son”.

Mientras los personajes ignoran las exigencias más evidentes de su vida comunitaria, valoran lo “personal” como “mágico”, “especial”, “trascendente”. Por esto que el aparente final de la película, en que se ha aprendido nuevos roles es, en realidad, tan ideológico como el inicio. En sus nuevos roles, siguen tan ignorantes de la visión general de su vida comunitaria, como al inicio, y se oculta el sistema de programación del cual la vida universitaria es una continuidad. Naturalmente, si esto fuera claro para el público, también, a nadie le importaría escuchar una narración tan fantástica, tan cuento de hadas, tan ideológica en el sentido de “parcializada con un punto de vista de la realidad”. Es esta ignorancia general de los espectadores, lo que transforma a esta película para mí, en un producto maravilloso en el sentido más lato del término.

http://www.juanvillacortaparedes.com

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DIARIO DE UNA PASIÓN (FUR)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

1) Un protagonista de la película tiene mucho pelo y le crece muy rápido, en todo el cuerpo. Esto me parece simpático en este momento.

2) La protagonista percibe el entorno de modo bastante distinto al resto de los personajes de su círculo inmediato al comienzo de la película. Luego, conoce a alguien con particularidades semejantes a las suyas. Esto me hace pensar en la ley de la atracción mental (“lo semejante atrae a lo semejante”).

3) La sensación de extrañeza que me producen ciertas secuencias, es similar a la inquietud que me producen algunas películas de David Lynch, como “Cabeza Borradora” o “El Hombre Elefante” o “El Camino de los Sueños” (Mulholland Drive). Cuando la protagonista, por invitación de su vecino, se reúne con otras personas en la noche, para observar cómo bailan, surge en mí la curiosidad por comprender que existen personas que se deleitan en mirar cuidadosamente lo que las rodea.

4) Que el hombre de pelos de rápido crecimiento desaparece de la narración nadando hacia el océano, me resulta sorprendente (y me agrada la sorpresa).

5) Me sorprende el rápido entendimiento entre la protagonista y el individuo de pelo de rápido crecimiento.

6) Me gusta todo el respeto que la narración muestra por el personaje de pelo de rápido crecimiento. Entiendo que esto es así, porque su departamento está diseñado cuidadosamente.

7) Me gusta la secuencia de inicio, en la que se presentan los nombres de los actores principales, y la toma se acerca a una maraña de pelos hasta llegar a unas letras muy pequeñas.

8) Me gusta que el mensaje podría ser, quién sabe, que la individualidad del artista tiene un precio a pagar. De cualquier modo, me parece una idea interesante.

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miércoles, 12 de diciembre de 2007

LA BRÚJULA DORADA (THE GOLDEN COMPASS)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

1) Llegué con media hora de anticipación al multicine y cuando fue la hora de ingresar a la sala, estaba yo solo en la fila. Era la función de las 10:30 a.m. del día Martes. Una sala de proyección para mí sólo.

2) Me gustó el diseño de producción. Las formas de los edificios eran muy sobrias, mesuradas y los colores estaban muy suaves, sin contrastes intensos, espléndido para transmitir un sentido espiritual.

3) La película me parece muy simbólica, en este sentido, muy intelectual y dirigida a nuestro subconsciente. La intención de la película me recuerda a “2001 Odisea del Espacio” de Stanley Kubrick. Esto porque Kubrick quería dirigirse directamente al espíritu de los espectadores.

La “brújula dorada” es un aparato que “dice la verdad” al formulársele un pregunta. La pregunta se formula mediante la elección de símbolos relacionados con el tema, y la respuesta también depende de que la aguja de la “brújula” apunte hacia un símbolo. Es decir, la “brújula dorada” es un aparato adivinatorio, semejante, por ejemplo, a las cartas del tarot, que tienen imágenes que han de ser interpretadas.

Todos estos elementos externos al adivino, son sólo apoyos para la expresión de su capacidad psíquica.

Acabo de coger de mi biblioteca el texto “Diccionario de las artes adivinatorias” de Gwen Le Scouézec y al abrirlo al azar encuentro “codonomancia” que “es un modo de adivinación por las campanas”. Esta técnica es una entre muchísimas otras técnicas de adivinación. Por tanto, la brújula dorada y su símbolos, es un instrumento cotidiano. De hecho, como “la verdad” es aquella creencia que uno posee, conocer la verdad por el método que sea, es desplazarse dentro del propio campo de creencias. Así, lo que la película nos muestra, es un campo de creencias específico.

4) Me gustó que las brujas de las películas tenían gracia y eran simpáticas (además de que podían volar y me parece que sin escoba). A mi entender, esta es la concepción de la brujas como personas con grandes poderes psíquicos.

En Inglaterra existió una legislación específica contra las brujas, que sólo fue abolida en 1753 con el “Acta sobre la Brujería” con lo que dejó de ser penada y sentó las bases para la investigación experimental de los poderes psíquicos [una breve referencia histórica puede encontrarse en “La Investigación Parapsicológica. De la especulación a la experimentación”, de Robert H. Thouless].

5) La película enfatiza el protagonismo de los niños y esto me regocija.

6) La película hace referencia a la presencia de un ser que acompaña a cada uno de nosotros. El ser se muestra como un animal. Esto lo que entiendo como un símbolo de nuestra propia animalidad, de nuestra capacidad intuitiva [o aún de aquella parte corporal sutil que siente, en el sentido en que lo describiría Gurdjieff o Papus, y que es un ente sutil que posee nuestra sensibilidad y puede separarse del individuo mediante hipnosis].

7) En la película, el famoso polvo que llega al hombre mediante el ser que lo acompaña y con el cual está vinculado psíquicamente a través de la sensación a distancia, lo relaciono con el éter, con el prana, con el aura, con el plano astral o aún con la sustancia de la que se forma el pensamiento (según lo entienden Annie Besant y C.W. Leadbeater en su texto “Formas del Pensamiento”).

8) Me gusta mucho que los animales de la película actúan excelente y tienen voces muy expresivas (vi la película con audio en español y me gustó).

9) Me parece interesante que el drama de la película se centra en la separación del ser que acompaña al individuo, del individuo mismo. Fuera de la película, supongo que se refiere a un acto hipnótico sobre el individuo de modo tal que se lo separa de su cuerpo sutil de sensación, con lo que se le impide sentir. Es decir, un acto hipnótico negativo o “magia negra” [que lo convierte en un “zombi” o “muerto viviente”].

10) Me gusta que se le de importancia al doble etérico (representado por animales en la película) [me viene a la memoria el libro de Arthur E. Powell “El doble etérico y sus fenómenos”].

11) Los otros personajes de la película también me gustan: esos que hacen como una referencia poco velada a los “gitanos” están simpáticos, los eruditos parecen ese tipo de gente que se dedica a diseñar imperios, el personaje de Nicole Kidman tiene un ropa muy bonita y se nota que tiene problemas emocionales porque abofetea a su propio simio asistente. Los niños parecen animalitos inconscientes, los empleados de quienes operan a los niños están espeluznantes y ese personaje que viste de negro está siniestro.

12) Me gusta que la película continúa. Así tengo oportunidad de seguir redactando cuando aparezca la segunda parte de la “brújula dorada”.


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miércoles, 5 de diciembre de 2007

YO LOS DECLARO MARIDO Y LARRY (I NOW PRONOUNCE YOU CHUCK AND LARRY)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

1) Trata sobre el tema de la identidad. Y especular sobre la identidad es un gran placer para mí, especialmente para pasar el rato.

2) Me gustó que aparecieran autos de bomberos. Es que cuando tenía ocho años (¿tal vez diez?), existían unos muñequitos amarillos con forma de bombero. Estaban muy bien esculpidos hasta donde recuerdo. Y el recuerdo me hace observar con simpatía el filme.

3) Adam Sandler es un actor que genera muy buenos ingresos de taquilla en Estados Unidos en relación con el costo de sus películas (en las que participa su productora “Happy Madison”). Que él sea muy bueno para la rentabilidad del negocio hace que observe con admiración su película.

4) Los vecindarios de la película se ven interesantes y eso me parece agradable.

5) Hay algunos planos panorámicos que me gustan mucho, como el de los incendios iniciales y el del lugar en escombros en que Chuck salva la vida de Larry (¿o era al revés? Recuerdo poco los nombres de los personajes). Si estos planos panorámicos son producto de fotocomposición o de escenarios gigantes, me tiene sin cuidado. Es el impacto de la escala sobrehumana lo que me impresiona.

6) Para mí, Jessica Biel actúa con gran naturalidad en la mayor parte de las tomas y me da la impresión de que hasta el personaje de Adam Sandler le resulta realmente gracioso. Y la cachetada que recibe del personaje de Sandler parece sorprenderla verdaderamente... En cualquier caso, me pareció una reacción propia de un documental, sin la estilización usual del cine. Esto me complace sobremanera, ya que muestra una reacción real y la película se transforma en documento. Naturalmente, tendríamos que especular si la actuación en la vida social es equivalente a la actuación frente a cámaras, es decir, si básicamente corresponden a un sistema similar con diferencia de grados. El que durante la hipnosis sea posible dejar de captar elementos del entorno y que cuando estamos concentrados en un elemento de la conciencia reducimos nuestra percepción de otros (caemos en un pequeño trance), apoyan la idea de que la distancia entre “actuar” para las cámaras y el desempeño social es una cuestión de grado (porque el actor ignora los elementos del entorno [cámara, trabajadores, decorado] y se concentra en la vivencia de un suceso).

7) Jessica Biel es una actriz con bastante talento (a veces es posible verla en en esa “antigua” serie de televisión cuyo nombre he olvidado, así que experiencia tiene bastante). Sus personajes de acción, en “Blade: Trinity” (la tercera película de Blade, el personaje de historieta de Marvel Comics) y en “Stealth“ me parecieron simpáticos. Hasta su aparición en "The Illusionist" fue agradable (¡y en “El Vidente” [“Next”]!). Esta familiaridad produce que yo aprecie la película más.

7) Me alegró que Ving Rhames sonriera en esta película. En “Misión Imposible” generalmente está serio y me alegro por él de que pueda expresar más emociones.

8) !Dan Aykroyd volvió a aparecer! ¡Qué sorpresa!

9) Hay bastante humor negro en la película y me hace reflexionar acerca de su necesidad social y lo agradezco.

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LA VENGANZA DE ALEXANDRA (ALEXANDRA’S PROJECT)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
Teléfono: (51-1) 4514334
e-mail: JORGEVILLACORTA1@gmail.com

Es una película maravillosa porque:

1) En mi opinión trata sobre la comunicación y este es un tema que me interesa.

2) Es una producción vinculada a Australia y me parece algo inusual en la cartelera peruana, lo cual satisface mi gusto por la novedad.

3) Hay bastantes tomas de un televisor al que se presta atención por lo que exhibe. Me recuerda una tarea que me dejaron hace varios años en que hice que la cámara enfocara un televisor mientras a la vez registraba en audio mis comentarios de lo que veíamos. Se veía unos segmentos de “Los Simpson” editados por mí para hacer una comercial televisivo ficticio y mis comentarios verbales eran las voces de los personajes que aparecían en la narración.

Como “La Venganza de Alexandra” me recuerda esta tarea que hice en la universidad, la veo con simpatía.

4) Me parece siniestro que Alexandra viva tan incomunicada con su esposo. El ritmo de la película avanza a paso moderado y revela poco a poco el mundo emocional de la protagonista. Es gracioso que tengamos que descubrir lo que ocurre casi desde la perspectiva del esposo, pues vemos la pantalla del televisor del mismo modo que él (la pantalla contiene el mensaje de Alexandra). Me parece gracioso porque el director me fuerza a tomar el lugar visual del marido, aunque como espectador yo hubiera preferido observar el mensaje desde una perspectiva distinta, privilegiada.

5) El actor que hace del esposo me parece estupendo. Como jamás lo había visto antes, me resulta muy convincente como individuo con poca inteligencia emocional, hasta el punto de ignorar qué ocurre en la mente de la persona con la que convive. Es trágico hasta cierto punto, sólo hasta que me hace pensar en todas las señales de descontento de su esposa que ha tenido que sepultar para llegar al punto en que la película aborda su historia. Entonces, me río a carcajadas de lo cómico que resulta su ceguera forzada a toda forma de autoexpresión de su consorte. Es una especie de Mr. Magoo. Aquí, la relectura de la película la convierte en una farsa, en una comedia negra. Incluso el final sarcástico colabora a ello.

6) Me gustó mucho el decorado. Las paredes verdes y el número reducido de espacios me parecieron originales, quién sabe por qué. Al menos, las había visto lo suficientemente poco en otras películas como para que despertaran mi curiosidad.

7) La venganza de Alexandra consiste en revelar a su esposo su mundo interior. Es decir, en establecer un vínculo emocional con él. Me parece un mensaje muy bonito. Que para ello tenga Alexandra que huir con los hijos y desilusionar a su consorte me exige reflexionar sobre las condiciones en que se desenvuelve la comunicación cotidiana y lo agradezco.,

8) Me gustó la sencillez de los planos utilizados.

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domingo, 2 de diciembre de 2007

BEOWULF

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
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Es una película maravillosa porque:

1) Hay bastante fantasía en todo el universo de la historia y eso me gusta.

2) Se tratan temas de modo indirecto que reflejan circunstancias sobre las que usualmente se medita poco.

Por ejemplo: Grendel vive con su madre, aislado del mundo y sufre cuando otros se divierten. Le es imposible soportar la algarabía inconsciente de su progenitor. La música y la fiesta ajena lo ponen furioso y turban su tranquilidad. En lugar de integrarse a la festividad, se opone a ella comiendo a los celebrantes. Y además, los acusa de demonios.

Esta personalidad, predispuesta a la reacción hipersensible, es una maravilloso estudio de carácter. El grito de protesta de Grendel es impresionante (en particular para mí, porque estuve ensayando un grito de desesperación similar antes de ir a ver la película y la coincidencia me sorprendió). Además, cuando los compañeros de Beowulf atacan a Grendel en sus órganos reproductivos y se asombran de su falta de reacción, directamente se nos muestra el carácter obsesivo que cobra la reflexión depresiva en el plano anímico, insensibilizando cualquier estímulo en otros planos, sea el intelectual como el físico.

La falta de autocrítica inicial de Beowulf y del rey al que sucede, me sugiere la naturaleza misma del poder por el poder, simplemente como institución punitiva o que sanciona lo legítimo (mediante celebraciones) más allá de ser una institución creativa, ya que ni Beowulf ni el rey precedente se dedican a la agricultura, la ganadería o a cualquier otro desarrollo tecnológico. Su existencia se sustenta en la presencia de una amenaza externa en la comunidad. Beowulf es más un talismán de la conciencia de la colectividad frente a temores desconocidos.

3) Las conversaciones en la que se menciona una tema y se muestran imágenes que descontextualizan el discurso para colocarlo en otro plano, me gustan bastante por su ambigüedad. Puedo elegir entre pensar que se dijo algo distinto de lo que entendí o que entendí lo que comprendí porque a eso también se referían (caso específico: la relación entre el trofeo ofrecido a Beowulf y la presencia de la Reina).

4) Varios de los planos panorámicos me gustaron mucho, en particular algunos en los que aparecen incendios al fondo de la imagen. Por momentos, me recordó a “El Anillo de los Nibelungos” de Fritz Lang, cuando Beowulf se dirige a ajustar cuentas con la bruja.

5) La mundanidad del ambiente al que llega Beowulf y sus acompañantes, ironiza sobre la pretensión heroica. Esto me hace sonreír. Que Beowulf se haga tanta propaganda el mismo, indica que nuestros mitos se crean por rutas buen conocidas (basadas en la difusión colectiva de emociones vinculadas a ideas o imágenes, símbolos de estados exaltados del ánimo).

6) La cara del dragón me recordó por momentos la del rostro del dragón de “Willow” (tal vez el de "Willow” era algo distinto de un dragón, pero recuerdo vagamente que tenía una gran mandíbula). De cualquier modo, este referente (real o irreal) a lo familiar me complace.

7) El exhibicionismo de Beowulf y su afán por librarse de sus vestidos me resulta cómico y me pregunto qué significa.

8) La bruja es un personaje misterioso, y que se le vea en medio del mar me parece que relaciona lo desconocido con lo intuitivo con lo femenino con el inconsciente colectivo (aunque claro que puede significar lo que tú quieras, también).

9) Me agradó que fuera una película tan macabra hecha en formato de animación. Lo encuentro inusual y novedoso.

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LEONES POR CORDEROS (LIONS FOR LAMBS)

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
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Es una película maravillosa porque:

1) Su ritmo pausado permite comer las palomitas de maíz sin perderse acción significativa en el desarrollo de la historia. Este extraordinario aporte al disfrute de la película me permitió sorber mi vaso de chicha cómodamente y aún comer medio chocolate... a diferencia de las películas de acción en las cuales el veloz cambio de imágenes puede dejar de captarse si se parpadea.

2) La alternancia de las diferentes historias se realiza magistralmente, con tan alto grado de estilización que me recuerda una tarea de edición de vídeo que hice cuando estudiaba en la universidad. Me gustó mucho como resultó mi trabajo y que en esta película se recurra a una edición sencilla, elemental, me agrada mucho.

3) A nivel filosófico, el discurso es perfecto. Se limita a reflejar los distintos puntos de vista de personas con estilos de vida diferentes. Naturalmente, todos se contradicen en alguna medida y ello, a mi parecer, le otorga el sabor intelectual de la vida real.

4) La actuación de Tom Cruise es prodigiosa. De modo camaleónico, el polifacético actor logra llamarse de distinto modo en cada nueva película (excepto en las de una misma serie, como en “Misión Imposible” en que interpreta al mismo personaje), para mostrarnos cómo da vida a un individuo que supuestamente está convencido de lo que dice. Todo esto lo logra de modo incomparable y me agrada volverlo a ver en cada nuevo filme repitiendo nuevo diálogo con su viejo estilo de siempre. Otorga familiaridad a todo nuevo producto. Por eso me agrada su actuación.

5) Meryl Streep es excepcional en su papel de niña prodigiosa de más de cuarenta años. Su mirada ligeramente altiva cuando recita líneas supuestamente sarcásticas es conmovedora. Me gusta mucho como expresa que es una periodista acosada, su turbación y ensimismamiento merecen mi reconocimiento.

6) Robert Redford es genial como burócrata del intelecto. La selección de actores de “Leones por corderos” la entiendo como apropiada. Cada actor representa el rol que cumple en la vida real. El señor Redford, también director de la película, nos muestra su confusión existencial con total honestidad en la pantalla, en el rol de un catedrático que intenta hacer sentir culpable a sus alumnos que han decidido vivir contentos; así como él intenta inquietarme con su filme de ritmo calmo y discursos que sólo son importantes para los personajes que los recitan antes que para mí como espectador... El arte imita a la vida, en este caso, con fidelidad absoluta.

7) Dos actores fabulosos representan a los soldados. Estos soldados son seres marginales en la película y sólo sirven como objeto de sacrificio. El hecho de que fallezcan juntos, es de por sí una sugerencia de que eran personajes irredimibles dentro de la sociedad en que se desenvolvían... ya estaban marcados desde el comienzo de la historia como seres sin otra función social que la de representar lo que de suicida hay en el ser humano. En lugar de integrarse, buscan por todos los medios, justificar su muerte. Los dos actores me han divertido mucho como personajes trágicos.

8) Los pocos cambios de lugar de la historia, a mi parecer, otorgan a la narración de una dimensión extraordinariamente subjetiva. Ya que todos los personajes hablan bastante y de hecho, se quedan sentados mientras hablan, el desarrollo de la historia renuncia a los continuos desplazamientos prolongados de la cámara que producen sensación de realidad... logrando crear una sensación de espacio puramente mental que también se encuentra en las películas del director canadiense David Cronenberg. En el caso que nos ocupa, se logra poner en evidencia que hablar por hablar, porque nos corresponde socialmente soltar un discurso acorde a nuestro rango personal, cambia poco la materialidad circundante y produce, principalmente, cambios psicológicos en la percepción. De por sí, este logre estético justifica para mí el que yo califique a este filme de maravilloso.

9) El actor que hace de estudiante es muy convincente. Hasta parece realmente aburrido de tener que hablar con Robert Redford (su profesor en la película). El personaje me resulta simpático y le sugiero que al final de la historia, se dedique a pasar el rato con un videojuego en lugar de pensar...

10) La producción, por las virtudes enumeradas, me parece una película maravillosa.

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MUERO POR MURIEL

Redactor: Jorge Villacorta Santamato
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Es una película maravillosa porque:

1) La voz de Andrea Montenegro me parece espectacular, el mejor efecto especial de la película. Cuando la voz dice algo, me lo creo.

2) Diego Bertie está graciosísimo como libador celoso. Me hace reír y sonreír.

3) Salvador Del Solar es genial como oportunista. Desde la telenovela "Escándalo" actúa maravillosamente como sujeto acomodaticio (y aún en la telenovela "Apocalipsis").

4) Ricky Tosso representa al depresivo perfecto.

5) La película tiene toques macabros que me producen estremecimientos y me obligan a reflexionar.

6) Los colores de los decorados en su relación con la ropa de los actores, me agradan. La iluminación es expresiva y la fotografía revela estados de ánimo. Hay un buen número de ambientes de la historia cuyo diseño me gusta.

7) La historia renueva la atención constantemente.

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